“Tirem seus ch…

“Tirem seus chapéus, senhores; ele é um gênio”. Foi assim que, em um célebre artigo, o compositor alemão Robert Schumman referiu-se a Frederic Franciszek Chopin, então um jovem polonês de apenas 20 anos, tuberculoso e muito tímido, que resolvera trocar a provinciana Varsóvia pelas luzes da sofisticada Paris. O elogio derramado de Schumann não era à toa. Nascido em 22 de fevereiro 1810, na pequena cidade polonesa de Zelazowa Wola, Frederic Franciszek revelou-se um menino prodígio ao compor e executar publicamente sua primeira obra musical aos oito anos de idade.

Conta-se que, antes mesmo de aprender a escrever, o garoto já tentara compor melodias. Aos 15 anos, era considerado pela crítica “o maior pianista de Varsóvia”. Logo viu-se que sua arte não ficaria confinada à Polônia, cuja capital, naquele ano de 1830, estava prestes a ser invadida, saqueada e incendiada pelas tropas do czarismo russo. “Ah, a cidade ardendo e eu sem poder matar sequer um moscovita”, queixou-se, numa carta a um amigo, na viagem a caminho da capital francesa.

Em Paris, ele encontrou fama e dinheiro. E, a partir daí, Frederic Franciszek Chopin passou a ser afrancesadamente conhecido como Frédéric François Chopin –ou, simplesmente, Chopin. A fama só aumentou. O dinheiro ele gastava com tanta ou maior facilidade –e voracidade– quanto ganhava.

Enquanto dava aulas de piano aos filhos e esposas dos parisienses mais abastados, fez contato com futuros mestres do mundo musical da época, a exemplo de Liszt e Berlioz. Passou a vestir-se impecavelmente: roupas de linho branco importado, lenços de seda no pescoço, capas pretas e sobrecasacas encomendadas aos melhores alfaiates da França. Andava em um cabriolé próprio, contratou um cocheiro e meia dúzia de criados. “Se eu fosse mais tolo do que sou, acreditaria ter chegado ao topo de minha carreira”, escreveu ao pai, Nicholas Chopin, professor de francês e literatura no Liceu de Varsóvia.

O rapaz estava certo. Ele iria ainda bem mais longe em sua promissora carreira. Ao lado de seu inegável talento, a saúde frágil, os modos aristocráticos e o comportamento reservado ajudaram-lhe a consolidar a imagem de “gênio esquivo” entre seus pares. Um caso de amor platônico e um romance proibido contribuíram para que Chopin mergulhasse em um estado permanente de melancolia profunda, traço de personalidade que para sempre seria sua marca registrada.

Em 1829, seus olhos azuis-cinzentos se depararam com os de Constância Gladkowska, uma estudante de canto do Conservatório de Varsóvia. Foi uma paixão fulminante, mas Chopin jamais teve coragem de declarar-se a ela. Mais adiante, conseguiu pedir a mão de outra moça, Maria Wodzinska, uma polonesa que conhecera na infância e reencontrara em Paris. O namoro não seguiu adiante por determinação expressa da mãe da jovem, que não queria vê-la casada com um “pianistazinho tuberculoso”. As cartas que enviara à amada foram providencialmente devolvidas. Chopin as guardou em um único envelope, no qual escreveu: “Moja bieda” (“Meu sofrimento”).

A introspecção de Chopin refletia-se também em seu modo singular de apresentar-se ao piano, ao ponto de ele ser censurado por alguns críticos da época, que consideravam “fraca” e “com pouco volume” a sonoridade que o músico extraía do instrumento. Berlioz foi um dos primeiros a chamar a atenção para o fato de que, com isso, na verdade, Chopin inaugurava um novo estilo de tocar, mais intimista que o habitual. “Chopin executa suas composições com extrema doçura, com pianíssimos delicados, os martelos tocando de leve nas cordas, de tal maneira que somos tentados a nos aproximar do instrumento para prestar atenção, como faríamos ao ouvir um concerto de silfos ou de duendes”, escreveu Berlioz.

Depois do caso de amor fracassado com Wodzinska, Chopin acabou unindo-se, em 1838, com a controvertida escritora Aurore Dupin, que assinava seus escritos com o pseudônimo masculino de George Sand. Os dois formaram um casal singular. Ele, esquivo e doente. Ela, oito anos mais velha, expansiva, divorciada, dona de uma legião de amantes, escandalizava a sociedade da época por seus livros ousados, seu hábito de fumar charutos em público, suas idéias socialistas e suas roupas de homem. “Como mulher, é um belo rapaz”, definiu-a certa feita o poeta Alfredo Vigny. A despeito das diferenças evidentes, Chopin e Sand permaneceram juntos por cerca de dez anos. Houve inclusive quem insinuasse que Chopin, de ar quase afeminado, encontrara seu par perfeito.

Logo no início da relação, o casal decidiu abandonar Paris e refugiar-se em Palma de Mallorca, no litoral da Espanha, onde julgavam escapar da curiosidade pública e, ao mesmo tempo, encontrar melhores condições climáticas para cuidar da saúde abalada de Chopin. Não foi, porém, uma escolha feliz. A umidade local provocou uma série interminável de hemoptises (expectoração de sangue dos pulmões) no compositor, que um ano depois resolveu retornar a Paris, mais cansado do que partira. A união tumultuada entre o músico e a escritora foi rompida em 1846, após uma longa sucessão de crises mútuas de ciúmes. A experiência do casamento rendeu a ela a publicação do folhetim Lucrezia Floriani, no qual é impossível não identificar um dos personagens, Karol, um príncipe neurastênico e tuberculoso, com o próprio Chopin.

Frédéric Chopin morreu em 17 de outubro de 1849, solitário e endividado, com apenas 39 anos, em seu apartamento em Paris. Havia deixado de compor desde o ano anterior e, insatisfeito com sua produção mais recente, chegara a destruir várias partituras inéditas. Antes do sepultamento, os amigos atenderam-lhe o último pedido, rabiscado em um papel, na véspera da morte: seu corpo deveria ser aberto e o coração extirpado. Isso porque o maior temor de Chopin sempre fora o de sofrer uma crise de catalepsia (doença que faz com que pessoas vivas pareçam temporariamente mortas) e ser enterrado vivo.

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Se um compositor pudesse dizer o que ele tem a dizer em palavras, então ele não mais se daria ao trabalho de compor música.

Gustav Mahler, compositor erudito alemão

Beethoven – O Testamento de Heiligenstadt

“Vocês, Homens que me têm como hostil, obstinado e insociável, como são injustos! Não conhecem as causas secretas que me fazem agir deste modo. Desde a infância, o  coração e a mente me chamavam para os ternos sentimentos do carinho e do afeto, e sempre me senti chamado a realizar grandes obras.

Mas vejam que durante os últimos seis anos me vi atacado por um mal incurável, agravado pela incompetência de médicos, enganando-me de ano para ano em ilusórias esperanças de melhorar, até que finalmente me vi obrigado a admitir a extensão do mal, cuja cura pode talvez durar anos… se é que ainda se pode esperar uma cura. Nascido  com um temperamento ardente e vivo, sensível aos prazeres da sociedade, cedo tive de renunciar a eles, para passar a viver em reclusão.

Houve momentos em que procurei não me importar com tudo isso, mas fui cruelmente repelido pela dolorosa experiência de ter um ouvido defeituoso! Não me era possível dizer às pessoas: “Falem mais alto, gritem, porque estou surdo!” Como poderia divulgar a todos a falta de um sentido que eu deveria possuir num grau ainda mais elevado do que qualquer outra pessoa, um sentido que outrora fora em mim mais sensível do que em qualquer dos meus colegas? Certamente não poderia fazer isso.

Perdoem-me, portanto, se me veem retraído, quando na verdade teria gosto de estar entre vocês. O meu infortúnio mortifica-me duplamente, porque, além de tudo, torna-me alvo da incompreensão. Estou afastado dos divertimentos da vida em sociedade, dos prazeres da conversação, das manifestações de amizade. Quase só no mundo, não me atrevo a aventurar-me na vida social para além do estritamente necessário. Vejo-me obrigado a viver no exílio: se tenho companhia, fico aterrorizado com a ideia de que o meu mal possa ser descoberto. Assim tenho vivido durante este meio ano que passei no campo.

Aconselhado por um inteligente médico a poupar o mais possível meu ouvido, muitas vezes me senti quase animado, devido à minha boa disposição natural, apesar de afastado das pessoas que estimo. Mas que humilhação, quando ao meu lado as pessoas ouviam o eco distante de uma flauta, sem que eu pudesse distingui-lo… ou quando chamavam minha atenção para o canto de um pastor e eu era incapaz de ouvi-lo!

Estas circunstâncias levaram-me à beira do desespero e pensei, mais de uma vez, em por fim aos meus dias. Somente a Música me deteve! Parece-me impossível abandonar este mundo antes de haver produzido tudo o que dentro de mim sinto ainda ter por realizar! Por isso, continuei esta vida miserável – verdadeiramente miserável – e suportei este corpo irritável que muda da melhor para a pior disposição com uma facilidade incrível.

Paciência, disseram-me, ela deve ser o meu guia. Procurei tê-la. A firmeza de espírito será a  resolução para perseverar até que o destino inexorável se digne a cortar o fio da minha vida. Talvez a situação melhore, talvez não. Estou conformado; afinal, é difícil um homem tornar-se filósofo na minha idade e para um artista, ainda mais do que para outro.

Oh, Deus! Tu contemplas do alto a minha miséria e sabes que ela está acompanhada de um amor pelas criaturas humanas e disposição para as boas obras. Oh, Homens! Se algum dia lerem isto, pensem quão injustos foram comigo. Deixem que o que sofre tenha o seu consolo, encontrando alguém que, como ele, apesar das deficiências da natureza, fez tudo o que as suas faculdades lhe permitiram realizar para pertencer ao mundo dos artistas de valor e dos homens de bem.

Meus irmãos Kaspar e Johann: logo que eu tiver morrido, e se entretanto o professor Schmidt ainda for vivo, peçam-lhe em meu nome que escreva uma descrição pormenorizada da minha doença e que a essa descrição junte-se a este papel, para que depois da minha morte o mundo possa reconciliar-se comigo.

Ao mesmo tempo, nomeio vocês dois herdeiros dos meus bens (que bem poucos são). Dividam-nos fraternalmente, de comum acordo, ajudando-se um ao outro. O que tenham feito para me ferir já foi perdoado, como bem sabem. A você, irmão Kaspar, agradeço particularmente o afeto que por mim demonstrou nos últimos tempos. O meu desejo é que possa viver mais feliz do que eu, afastado das preocupações que me têm atormentado. Aconselhe a virtude aos seus filhos; só ela – não as riquezas – pode dar-lhes felicidade. Falo por experiência própria – foi a virtude que me amparou na dor; foram elas, a Virtude e a Música, que me impediram de por fim à vida. Adeus, e recebam ambos o meu amor.

Agradeço aos meus amigos, especialmente ao príncipe Lichnoswsky e ao professor Schmidt. Gostaria que os instrumentos do príncipe Lichnoswsky ficassem em poder de um de vocês. Mas não criem inimizade por causa disso. Se por qualquer razão, porém, forem mais úteis de outra maneira, podem dispor deles como quiserem. Como fico contente ao pensar que vos poderão ser úteis, ainda que eu já esteja na tumba! Assim seja! Anseio ir ao encontro da morte com alegria. Se ela vier antes de ter tido tempo de desenvolver tudo o que a minha capacidade artística me concede, terá chegado demasiado cedo; apesar do meu cruel destino, desejaria que retardasse a sua vinda.

Mas mesmo se logo vier, ainda assim me sentirei feliz, porque libertar-me-á de um sofrimento infinito. Vem, pois, quando quiser, oh, Morte! Firme estarei para recebê-la. Adeus, e não se esqueçam completamente de mim, quando já morto.Creio merecê-lo, pois durante a vida pensei muito em vocês e desejei fazê-los felizes. Tomara que o sejam sempre.

Ludwig van Beethoven. Heiligenstadt, 6 de outubro de 1802″.

 

(na parte exterior do documento, em 10 de outubro de 1802):

“A meus irmãos Kaspar e Johann, pedindo-lhes que leiam e executem depois da minha morte. Despeço-me de vocês e faço-o com tristeza. Sim, essa remota esperança que me animava para uma possível melhora afastou-se completamente de mim. Tal como as folhas de outono que caem feridas na terra, também a esperança me abandonou para sempre. Quase como cheguei devo partir. Até a arrogante coragem que frequentemente me animava nos cálidos dias de verão acabou me deixando. Oh, Providência, assegura-me pelo menos um único dia de sincera alegria! Quando, ó Deus, quando sentirei de novo essa alegria no templo da natureza e dos homens? Nunca? Não, isso seria por demais cruel!”

Mozart – Curiosidades

Dança dos nomes

O gênio austríaco passou a vida trocando seus nomes o que acabou confundido até os historiadores. Uns dizem que ele foi batizado como Johannes Chrysostomus Wolfgang Gottlieb Mozart e outros já afirmam que no lugar de “Gottlieb” era “Theophilus” e de “Wolfgang” era “Wolfgangus”. Na verdade, “Theophilus” é a tradução em latim de “Gottlieb” e “Wolfgang” é a versão abreviada de “Wolfgangus”, nome de seu avó materno. Mais tarde, seu pai retirou o “Johannes Chrysostomus” e o próprio Mozart, após sua passagem pela Itália, trocou o “Gottlieb” ou “Theophilus” por “Amadeus” que ainda pode ser encontrado na versão italiana como “Amadeo”.

O mistério do Réquiem

Há muitas lendas em torno da encomenda de um Réquiem feita a Mozart, próximo de sua morte. Em Amadeus, filme de Milos Forman que retrata a vida do músico, a versão contada é a de que Antonio Salieri, um compositor rival, sorrateiramente pediu a obra –por algum tempo, acreditou-se que Mozart havia sido envenenado por ele. Mas segundo os biógrafos do compositor, a missa fúnebre fora encomendada pelo conde von Walsegg-Stuppach, que desejava homenagear a memória da esposa.

Cidadão maçom

Inquieto e, ao mesmo tempo, melancólico, o compositor sempre estava em busca do autoconhecimento. Assim, ele foi para a maçonaria. Em 1784, ele entrou para a ordem como aprendiz e no ano seguinte já era mestre. A adesão foi engajada, como comprova uma série de suas obras de inspiração maçônica, que datam desta época. Inclusive os caçadores de enigmas, até hoje, acreditam que há várias mensagens maçônicas nas sinfonias de Mozart.

Catálogo codificado

As obras de Mozart são identificadas pela letra K., seguida de um número que designa a ordem cronológica das composições. O K. vem do nome de Ludwig von Kochel, que organizou um catálogo das obras de Mozart, publicado em 1862, sob o título de Chronologist-thematisches Verzeichnis samticher Tonwerke W. A. Mozart (Registro cronológico-temático de todas as obras musicais de W. A. Mozart). Em alemão, a sigla é KV. Uma revisão definitiva deste catálogo foi elaborada por Alfred Einstein, em 1937.

Prestígio europeu

Durante a turnê pela Europa, o barão alemão Friedrich Melchior Grimm, residente em Paris e publisher do Correspondance littéraire, manuscrito que circulava para a elite européia por meio de assinaturas, escreveu: “Mozart, que completará sete anos em fevereiro próximo, é um extraordinário fenômeno. É difícil de acreditar o que vemos com nossos olhos e escutamos com nossos ouvidos”. Também impressionados com a performance de Mozart, o Rei George III e a Rainha Charlotte convidaram duas vezes o pequeno gênio para tocar no Palácio Buckingham, em Londres.

O que é Ópera?

Ópera é um espetáculo dramático-musical, com acompanhamento de orquestra, no qual as falas são cantadas. Esse gênero artístico surgiu no final do século 16 a partir da tentativa de uma academia em Florença (Itália), formada por poetas, músicos e estudiosos, de imitar as peças teatrais dramáticas da Grécia antiga. Como não havia registro conhecido das músicas cantadas pelos corais gregos durante a apresentação dos dramas, os compositores florentinos partiram de imitações da poesia pastoral grega para criar seus argumentos para as óperas. Um dos primeiros grande nomes da ópera italiana foi Claudio Monteverdi que compôs “Orfeu”, em 1607. O gênero chegou a outros países europeus e nos séculos seguintes surgiram os mais importantes compositores de óperas como George Frideric Handel, Wolfgang Amadeus Mozart, Giuseppe Verdi, Richard Wagner, Richard Strauss e Giacomo Puccini. A morte de Puccini em 1924 é considerada por historiadores da música como o marco final das grandes óperas. O formato dramático-musical das óperas, no entanto, continuou a ser adotado por outros gêneros, como o rock, e em trabalhos experimentais na música, como o do compositor Philip Glass.

Música Erudita?

O que se convencionou chamar de música clássica ou erudita é melhor definida como música de concerto. Os termos “clássica” e “erudita” comumente usados para definir esse tipo de música carregam várias imprecisões. Compositores como Villa-Lobos e Beethoven, por exemplo, não faziam músicas eruditas, assim como a definição estética de música clássica se opõe aos elementos estéticos do Romantismo, presentes em várias obras de Brahms, Wagner, Liszt e Schubert. No século 18, a Escola Clássica de Viena foi uma das principais responsáveis pelo desenvolvimento da música de concerto que representou o triunfo da música instrumental sobre a música coral. Muitos estudiosos definem o período entre a segunda metade do século 18 e a primeira do 19 como o que definiu a música de concerto, por conta principalmente das sinfonias compostas por Mozart, Beethoven e Haydn. A “forma sonata”, novidade desenvolvida na obra desses compositores, introduziu violentas oposições de vários tons e o contraste entre várias temáticas diferentes, que resultaram no crescimento da dramaticidade da música. Normalmente associa-se a ópera à música clássica ou erudita, mas ela é na verdade um outro gênero.

Fonte: http://lazer.hsw.uol.com.br/musica-classica.htm

Wolfgang Amadeus Mozart

Gênio precoce, com personalidade musical complexa e sedento por liberdade. Talvez seja esta a melhor maneira de definir Wolfgang Amadeus Mozart que nasceu como Johannes Chrysostomus Wolfgang Gottlieb Mozart, no dia 27 de janeiro de 1756, em Salzburgo, na Áustria. Desde pequeno revelou extraordinária vocação musical. Seu poderoso talento criador dava-lhe uma expressão versátil. Escreveu com a mesma desenvoltura gêneros instrumentais e vocais, criando uma obra que só não foi mais extensa devido à sua morte prematura, aos 35 anos de idade.

Com quatro anos iniciou as aulas de música com o pai Leopold Mozart, um respeitado professor de violino. Não demorou muito e o garoto já compunha duetos e pequenas composições para dois pianos, com a finalidade de serem interpretadas com sua irmã Maria Anna, a “Nannerl”, cinco anos mais velha. A dupla realizou várias apresentações mas, em pouco tempo, a talentosa Nannerl foi ofuscada pelas impecáveis performances de seu irmão. Sem rancores, a moça seguiu outro caminho. Tornou-se professora de piano, casou-se e constituiu família.

O prodígio, aos seis anos, realizou sua primeira turnê pela Europa. Wolfgang deixou a corte aos seus pés. Com sua música, foi admirado e aplaudido por todas as classes sociais, de soberanos a cortesãos. O pequeno era um verdadeiro artista e, durante vários anos, revezou-se entre longas viagens com o pai e a casa, em Salzburgo. Mas, mesmo assim, encontrava tempo para compor e, aos 12 anos, criou sua primeira ópera, La finta semplice.

Logo no ano seguinte, Wolfgang foi nomeado Konzertmeister da corte, o equivalente ao cargo de violinista principal. Partiu para a Itália, onde recebeu honrarias e mergulhou na música local. Nesta fase, ele compôs as óperas Mitridate e Lucio Silla. Sua tranqüilidade cessa ao voltar à cidade-natal, quando começa a ser tratado com hostilidade pelo novo arcebispo de Salzburgo, Hieronymus Colloredo. O déspota proíbe as viagens de Mozart, que passa quatro anos preso a corte. Angustiado, o compositor não aceita as ordens incabíveis de “seu patrão”, pede demissão e parte em busca de oportunidade pela Europa.

Em suas andanças, Wolfgang renova as idéias e passa a escrever obras mais livres que as compostas na corte. É neste momento que ele conhece a cantora Aloysia Weber, por quem se apaixona e não é correspondido. Cinco anos depois, ele casaria, sem paixão, com a musicista Constanze Weber, irmã mais nova de Aloysia.

No ano de 1779, um Mozart contrariado volta a Salzburgo. Sem inibir seu talento, compôs a Missa da Coroação, a ópera Idomeneu, entre outras obras-primas. Porém, o esperado acontece novamente. Mozart exige respeito e Colloredo ordena a expulsão do compositor. Em uma de suas cartas, o músico revoltado revela que foi escorraçado da corte, aos pontapés.

Entusiasmo com a tão desejada liberdade, Mozart passa a sentir na pele o desprezo da sociedade vienense que já não vibrava com suas obras mais intimistas. A grande ópera As Bodas de Fígaro (1786) foi um fracasso financeiro. Em compensação, a obra foi bem recebida em Praga, o que levou à encomenda de outra ópera: Don Giovanni. Entre os tchecos foi um sucesso, mas em Viena, um outro fiasco.

A situação econômica de Mozart piora e a fama desaparece. A salvação só chega com a criação de uma ópera para o povo, encomendada, em 1791, por um amigo maçom. A Flauta Mágica estreou triunfante em um pequeno teatro popular na periferia de Viena. Surgem mais encomendas e desta vez trata-se de um Réquiem, solicitado pelo conde von Walsegg zu Stuppach. Bastante atarefado e doente (seus rins estavam quase destruídos), Mozart ia escrevendo, aos poucos, a missa fúnebre que ficou inacabada. Em novembro ele caiu de cama para não mais levantar-se, e em 5 de dezembro de 1791, Amadeus morreu. O Réquiem é completado, tempos depois, pelo discípulo Franz Xaver Süssmayr.

Óperas Brasileiras comemoram a Semana de 22

A produção francesa de “Magdalena”, de Villa-Lobos do Théâtre du Chatelet, em Paris (2010) de Jean Philippe Delavanet (reposição) tem cenários muito bonitos, com lanternas de vários formatos, figurinos adequados e interessantes, um coro com vozes selecionadas para a tessitura da ópera e bailarinos coreografados por adaptação de Dinah Perry. Constituiu-se num rico e belo espetáculo lírico, esta ópera, datada de 1948, cuja estreia se deu a 26 de julho em Los Angeles, no Philharmonic Auditorium, onde ficou em cartaz durante três semanas concluindo a temporada da Los Angeles Civic Light Association.

Regeu-a o maestro Luis G. Petri com toda a força nos pulsos, numa luxuriante orquestração da fase final da vida de Villa, que reaproveita modinhas e canções, o motivo coral das Bachianas nº 4, Impressões seresteiras, A valsa da dor (piano solo), Festa do Sertão, Kankulus, na Corda da Viola e trechos de Ibericarabe. A orquestra soou forte demais e o Coral Lírico Municipal, muito bem preparado com vozes potentes em seus agudos que são muitos na partitura.

O destaque vocal ficou com o mezzo soprano Luciana Bueno que dominou o conjunto como a chef Teresa; modulou uma voz quente, sensual e bem preparada, em timbrística perfeitamente acertada nessa personagem emotiva e cativante, atingindo no Ato 2, o ponto máximo de sua interpretação musical. Completaram Rosana Lamosa , Sávio Sperandio, Saulo Javan, Miguel Geraldi, Paulo Queiróz entre outros solistas o elenco de “Magdalena”. A iluminação de palco de Alexander Koppelmann favoreceu intensamente para o bom desenrolar das cenas.

“Sejamos sempre antropofágicos, gulosos, abertos, eternamente inacabados e sempre em obras“: palavras da coreógrafa Lara Pinheiro. Moderno, pós moderno, contemporâneo, não mais importa! Foi o que se viu no palco do Theatro Municipal em belo espetáculo coreográfico do Balé da Cidade de São Paulo, para as comemorações da Semana de Arte Moderna de 22.

Um lindo momento de arte em “Andradianas“, com o grupo de dança do teatro, coeso, limpo em seus movimentos, técnica apurada e preciso nos andamentos da música de M. Camargo Guarnieri (1907-1993) em sua Suíte Vila Rica. De sua música pode-se dizer que a Sinfônica Municipal nos transmitiu toda a delicadeza de suas características de composição somadas às sutilezas de rica e moderna orquestração. Saímos do teatro com aquelas deliciosas melodias da valsa e do Saudoso maxixe de sua partitura. Joyce Drummond colaborou muito para o êxito dos dois espetáculos em sua criativa iluminação e parabéns à Lara Pinheiro pelo trabalho realizado e técnica preservada ao conjunto coreográfico.

Encerrando o evento comemorativo viu-se do mesmo Guarnieri “Pedro Malazarte”, com libreto de Mario de Andrade, em ato único de (1932); esta que foi cavalo de batalha brasileira do grande Paulo Fortes ao lado do mezzo soprano Glória Queiróz, outra artista de grande sensibilidade artística. Do atual elenco, destacou-se o barítono Sebastião Teixeira, elegante numa peruca como manda o figurino, esbelto, almofadinha, sapatos brancos, tudo a rigor. Venceu com facilidade as páginas que lhe cabem, representando com naturalidade e desembaraço cênico. Quem não convenceu foi o meiossoprano Edineia de Oliveira com uma timbrística inadequada ao grave registro da baiana e uma dicção de muito difícil percepção auditiva. Desigual a atuação do tenor Eric Herrero em suas intervenções. Boas e expressivas as presenças cênicas da atriz Daniela Farias e do bailarino Mário Talarico. Regeu a nossa orquestra o Maestro Carlos Moreno sob a concepção cenográfica e direção de Cléber Papa.

Marco Antônio Seta

Fonte: http://www.movimento.com/2012/02/operas-brasileiras-comemoram-semana-de-22

Johann Sebastian Bach – Gênio traduz mistérios do sagrado

Quem aprende a tocar Bach pode tocar qualquer música. Esse mito popular vivo entre os músicos é apenas uma pequena mostra da grandeza do trabalho do compositor alemão Johann Sebastian Bach. Gênio da matemática, ele também foi uma figura excêntrica –assim como sua arte, dificílima. Era obstinado em combinar as melodias da música e, graças a sua técnica, dominou como ninguém a ciência da composição em prol da harmonia perfeita.

Nascido em 21 de março de 1685, em Eisenach, uma pequena cidade da Turingia, no centro da Alemanha, desde pequeno o caminho de Johann Sebastian Bach cruzou-se com o da Igreja Protestante de Martim Lutero, fundada na Alemanha do século 16, e da qual sua família, os tradicionais músicos Bach, fazia parte.

Naturalmente, seu pai, o violinista Johann Ambrosius Bach, educou os seus oito filhos para que se tornassem proeminentes músicos seguindo a tradição dos Bach, que passaram sua herança musical de geração em geração por 200 anos. Só que o seu caçula superou a todos. Órfão de pai e mãe aos nove anos de idade, Johann Sebastian passou a adolescência em Ohrdruf com seu irmão mais velho, o violinista Johann Christoph.

No fim do século 17, a Alemanha estava dividida em estados independentes, mas abertos a culturas européias, como as da Itália e França. Foi nesse cenário, que o jovem Bach adquiriu uma sofisticada formação cultural, absorvendo a arte dos compositores antigos e também a de seus contemporâneos barrocos Antonio Vivaldi, Reincken e Frescobaldi, entre outros.

Mas ele precisava de mais informação. Então, com quinze anos de idade, alcançou meios de desenvolver plenamente a sua intelectualidade, matriculando-se na respeitada escola São Miguel de Lüneburg. Consta-se que, ainda criança, transcrevia obras de autores em alemão, latim, francês ou italiano. Ávido por conhecimento, Bach estudava várias horas, todos os dias. Tudo para aperfeiçoar seu domínio técnico sobre a música, que despertou o fascínio de diversas gerações –mais tarde Mozart e Beethoven também o chamariam de “o pai da harmonia”.

Esforçado, o compositor alemão teve vários empregos em igrejas e nas cortes que serviu na Alemanha. Em 1703, ele conseguiu seu primeiro trabalho, em Arnstadt, onde ocupou o cargo de organista da igreja de St. Boniface. E apesar da pouca idade, Bach já era um mestre em seu ofício e fez transformações musicais que escandalizaram seus superiores. Mas nem por isso mudou seu pensamento. No ano de 1707, casou-se com a sua jovem prima Maria Bárbara e constitui família cedo. Ela lhe deu sete filhos durante os treze anos do casamento, mas durante uma viagem do marido subitamente adoeceu e morreu.

Nessa época, Bach fora nomeado Kapellmeister (mestre de capela) em Cöthen. Sob a proteção do príncipe calvinista Leopold, ele ganhava um alto salário e pôde, sobretudo, dedicar-se à composição de músicas instrumentais. Datam dessa época seus concertos para violino e os seis Concertos de Brandenburgo, feitos sob encomenda para o duque de Brandenburgo. Um ano após a morte de Maria Bárbara, Bach casou-se novamente. Dessa vez, apaixonou-se pela filha de um trompetista da corte, a cantora Anna Magdalena, que se revelou uma companheira adorável. Ele tinha 36 anos e ela 20. Ao todo, o casal teve treze crianças.

Depois de vários anos trabalhando nas cortes alemãs, em 1723, Bach retornou as suas origens e mudou-se para Leipzig, onde assumiu o posto de organista e professor da igreja de São Tomas. Totalmente voltado à obra de Deus, consta que nos primeiros anos passados em Leipzig deixou de produzir música “profana” e passou a escrever exclusivamente concertos religiosos. Seus historiadores contam que, nessa época, Bach compôs uma quantidade prodigiosa de música eclesiástica, entre elas duas de suas maiores obra-primas:Johannespassion (Paixão segundo São João, 1723) e Matthauspassion (Paixão segundo São Mateus, 1729).

O gênio da ciência musical não acumulou riquezas, e trabalhou até os últimos dias de vida para prover o seu sustento e dos entes queridos. Cercado por sua família, Bach morreu completamente cego no dia 28 de julho de 1750. Consta-se que, em seu leito de morte, ele tenha ditado ao genro Altnkiol sua última obra: Senhor, eis-me diante do Teu Trono, que foi executada em seu funeral. Bach está enterrado num sepulcro sem marca na igreja de São Tomas.

Curiosidades – Johann Sebastian Bach

Sempre interessado em aprender cada vez mais, Bach não poupava esforços para avançar seus conhecimentos. Conta-se que certa vez, antes de completar 13 anos, ele pediu um livro emprestado ao seu irmão mais velho, Johann Christoph. Como este lhe negou, habilmente o menino encontrou uma solução para resolver o problema. Assim, todas as noites após irem se deitar, ele pegava o livro de música e varava madrugadas estudando. Como não podia acender velas para não chamar a atenção do irmão, por muito tempo estudou tendo como única claridade a luz da lua. Esse costume de transcrever obras na escuridão, aliás, perdurou por toda sua vida. Um esforço que certamente contribuiu para a sua completa cegueira.

Embora nunca tenha feito viagens fora da Alemanha, o compositor alemão chegou a cometer verdadeiras loucuras para vivenciar a música de outros artistas. Sua fama já era grande quando, em Arnstadt, resolveu pedir uma licença de quatro semanas do trabalho. Para ouvir o grande organista Dietrich Buxtehude, ele andou 200 milhas a pé até chegar ao seu destino, Lubeck. O problema é que demorou quatro meses para voltar. Essa “excentricidade” custou-lhe o seu emprego.

A profundidade da música religiosa de Bach é impressionante. E da mesma forma que compunha suas obras, ensinava seus discípulos a executá-las no coral da igreja. Tanto que um de seus alunos, Gottlieb Ziegler, comentou certa vez: “Quanto à maneira de tocar o coral, meu professor, o mestre de capela Bach, ensinou-me de tal forma que não me limito a tocar os corais simplesmente seguindo a música, mas inspirado no sentimento que indicam as palavras”.

Além de produzir uma obra de imensa variedade e extensão, o grande Bach ainda foi organista, cravista, violinista, regente, diretor de serviços musicais de igreja e professor de meninos. Quando lhe perguntavam o segredo de tanto talento, respondia sem hesitação ou rodeios: “Eu trabalhei duro…”

Bach escreveu para órgão durante toda a sua vida, sendo como organista virtuose e improvisador genial que seus contemporâneos apreciaram sua arte. Consta que ao fim de um longo improviso sobre An Wasserflüssen Babylon, o velho Reincken – sabidamente um homem orgulhoso – passou-lhe o anel que usava no dedo, e disse em alemão: “Eu pensava que esta arte morreria comigo, mas vejo que ela sobreviverá no senhor”. Improvisações que também curvaram duques, príncipes e reis como Frederico 2º em Potsdam.

Nascidos no mesmo ano e considerados os compositores alemães mais famosos da época, Bach e Handel viveram uma infeliz coincidência. Nunca se conheceram pessoalmente, mas ambos tiveram um destino parecido: quase cegos, foram operados pelo mesmo médico, o inglês ambulante John Taylor. No entanto, as cirurgias de ambos não foram bem-sucedidas e, pelas mãos de um charlatão, eles ficaram completamente cegos. No caso de Bach, a cirurgia não apenas se revelou inútil como contribuiu para agravar o seu estado geral e provocar um segundo ataque de apoplexia, privando-lhe os sentidos e movimentos.

As peças de Johann Sebastian Bach estão catalogadas com os números BWV, sendo que BWV significa Bach Werke Verzeichnis (Lista das Obras de Bach). Compilado por Wolfgang Schmieder, o catálogo foi publicado em 1950. Uma variante desse sistema usa o S (de Schmieder) no lugar de BWV, para identificar o autor do sistema de numeração.